Sylvie Tubiana, notes biographiques

               Née à Boulogne-Billancourt en 1959, Sylvie Tubiana vit et travaille à La Rochelle. Elle suit des études à l'Ecole Nationale d'Art Décoratifs de Nice où elle pratique différentes techniques (dessin, gravure, lithographie, peinture, céramique et photographie, essentiellement en noir et blanc).

Elle fait des rencontres importantes : Xavier Arsène Henry (architecte), André Villers (photographe), Marcel Alocco (peintre). Désormais, elle décide de ne plus s'exprimer qu'avec le médium de la photographie. Ses recherches la situent dans la catégorie de la photographie plasticienne. En 1984, elle réalise la série "Suite et-fractions" qui est exposée au Musée Réattu d'Arles l'année suivante.

Dans une première période, l'image en noir et blanc est morcelée dès la prise de vue en plusieurs dizaines de fragments pour être ensuite recomposée. Le négatif est utilisé non pas pour la diffusion d'une image identique, mais comme un élément servant à composer des images différentes. Le travail très construit s'apparente à la composition picturale. Les lieux photographiés sont toujours des espaces intérieurs mis en scène, les propres lieux de vie de l'artiste, dans lesquels la lumière et les déformations de perspectives ont une importance primordiale. En 1987, grâce à une commande de la Maison de la Culture de La Rochelle, la couleur apparaît dans le travail en association avec le noir et blanc. En 1989, le format des images est agrandi et les compositions en polyptyques se simplifient en diptyque et triptyque. Est alors réalisée la série "Faire Face" dans laquelle Sylvie Tubiana se confronte à l'objectif de l'appareil photographique, série qui sera exposée de nombreuses fois, notamment au Musée de la Photographie de Charleroi. En 1991, elle reçoit une bourse d'aide individuelle à la création, F.I.A.C.R.E, Ministère de la Culture, renouvelée en 1998 et 2003. En 1992-1993, ont lieu à La Rochelle et à Vitry-sur-Seine deux importantes expositions montrant l'œuvre sur cinq années, de 1987 à 1991, avec plus de quarante pièces.

La deuxième période débute en 1992, avec la série "Evénement d'espace" pour laquelle elle est lauréate du prix Kodak de la Critique, en 1993. Cette série marque l'abandon du noir et blanc au profit de la couleur, mais dans une gamme minimale quasi monochrome. L'image n'est plus fragmentée, morcelée ni assemblée, mais composée au moyen d'une image projetée dans l'espace et déformée sur le mur écran. Là encore, la lumière et la perspective sont les données essentielles de ce travail intimiste qui allie présence et absence dans une errance au ras des murs. A partir de 1994, le corps devient objet ou prétexte dans ce travail. Son image nue est projetée sur le mur : étirée, pliée, brisée, colorée de bleu ou de rouge, mise en mouvement par les seules déformations de la perspective. Le grain de la peau s'imprègne du grain du mur comme une peinture à fresque, les grains de lumière sont également visibles. La lumière issue de cette image du corps, parfois se réfléchit sur les murs opposés. Les tirages photographiques de grand format 120 x 120 cm rejoignent l'échelle 1/1 du corps. Ces réalisations procèdent de la mise en œuvre de pratiques tant picturales que photographiques. Des références à l'histoire de l'art apparaissent régulièrement: de l'Eve de Cranach à Francis Bacon, du Caravage à de La Tour.
En 2000, ce travail amorce un virage qui nous ramène à la préoccupation originelle: la déformation du rectangle dans l'espace. Le corps n'est plus photographié sur un fond noir mais sur un fond blanc. Lors de la projection, ce blanc donne l'illusion d'une boite, d'un "pliage de lumière", d'une prison lumineuse : le corps se dissout dans la lumière. La présence devient plus narrative, théâtrale. Il s'agit pour le spectateur d'interroger l'acte de voir. En 2004, à la suite d'une résidence d'artiste au Japon deux nouvelles séries ont été réalisé "Mémoire secrète" et "Onsen" mettant en valeur les matériaux et la manière de vivre dans l'architecture traditionnelle japonaise. En 2008, toujours le Japon avec des projections sur des estampes, comme si le dessin prenait chair, s'incarnait et en 2009, la même démarche se poursuit à partir de peintures éthiopiennes dont les personnages ont peuplé mon enfance. A partir de 2010 et jusqu'à aujourd'hui, le travail intègre la photographie numérique tout en poursuivant cette recherche associant la mémoire, différentes civilisations et leur relation au corps. En janvier 2012, à l'occasion d'une résidence d'artiste en Ethiopie, elle réalise plusieurs séries, "Harar," dans la Maison Rimbaud, "La ferme" et "Haras" à la campagne dans les environs d'Addis Abbeba, "Gondar" pendant les fêtes de l'Epiphanie, "Lac Tana" et "Maternité" avec comme support les Vierges à l'enfant peintes dans les Monastères. Elle tisse un lien avec Rimbaud, ses poèmes et ses lettres et Hugo Pratt "les Ethiopiques" avec la réalisation de plusieurs vidéos.

En parallèle, des installations in situ avec un ou plusieurs projecteurs de diapositives se sont multipliées à Thouars, St Brieuc, La Rochelle, Bruxelles... Ces installations, contrairement aux tirages photographiques offrent une infinité de points de vue et telles une sculpture de lumière invitent le visiteur à se déplacer. Elles sont régulièrement accompagnées de bandes sonores : musiques ou textes lus, en plusieurs langues parfois. Et depuis 2003, des installations vidéos in situ.

Sylvie Tubiana a toujours entretenu des rapports privilégiés avec des écrivains et des poètes notamment Pierre Veilletet, Denis Montebello, Jean-François Mathé, Claude Chambard, Alain Richer, Sylvie Germain, Bernard Ruhaud, Masumi Midorikawa, Daniel Keene, Anne-Marie Garat, Ito Naga... qui se concrétisent par des éditions et des "livres objet". Elle a entrepris la réalisation d'un livre d'artiste en association avec des écrivains  intitulé Fragment du Livre. En 10 exemplaires ce projet rassemblera des extraits de tout son travail sur le corps depuis 1994 soit plus d'une quarantaine de fascicules.